Good Mood

Storia inizialemodifica

Musica stampata in Europa:

Pubblicazione musicale con spartiti stampati a macchina sviluppata durante l’era della musica rinascimentale a metà del xv secolo. Lo sviluppo della pubblicazione musicale ha seguito l’evoluzione delle tecnologie di stampa che sono state sviluppate per la stampa di libri regolari. Dopo la metà del 15 ° secolo, le tecniche meccaniche per la stampa di spartiti furono sviluppate per la prima volta. Il primo esempio, una serie di canti liturgici, risale al 1465 circa, poco dopo la stampa della Bibbia di Gutenberg. Prima di questo tempo, la musica doveva essere copiata a mano., Copiare la notazione musicale a mano era un processo molto costoso, laborioso e dispendioso in termini di tempo, quindi di solito era intrapreso solo da monaci e sacerdoti che cercavano di preservare la musica sacra per la chiesa. Le poche collezioni di musica secolare (non religiosa) esistenti furono commissionate e possedute da ricchi aristocratici. Gli esempi includono il Codice Squarcialupi della musica italiana Trecento e il Codice Chantilly della musica francese Ars subtilior.

L’uso della stampa ha permesso agli spartiti di riprodursi molto più rapidamente e ad un costo molto inferiore rispetto alla notazione musicale a mano., Ciò ha aiutato gli stili musicali a diffondersi in altre città e paesi più rapidamente, e ha anche permesso alla musica di diffondersi in aree più lontane. Prima dell’invenzione della stampa musicale, la musica di un compositore potrebbe essere conosciuta solo nella città in cui viveva e nelle città circostanti, perché solo i ricchi aristocratici sarebbero in grado di permettersi di avere copie a mano della sua musica. Con la stampa musicale, tuttavia, la musica di un compositore potrebbe essere stampata e venduta ad un costo relativamente basso per gli acquirenti di un’ampia area geografica., Quando gli spartiti dei pezzi e delle canzoni dei maggiori compositori iniziarono ad essere stampati e distribuiti in un’area più ampia, ciò permise ai compositori e agli ascoltatori di ascoltare nuovi stili e forme di musica. Un compositore tedesco potrebbe acquistare canzoni scritte da un compositore italiano o inglese, e un compositore italiano potrebbe acquistare pezzi scritti da compositori olandesi e imparare come hanno scritto la musica. Ciò ha portato a una maggiore fusione di stili musicali provenienti da diversi paesi e regioni.,

Il pioniere della stampa musicale moderna fu Ottaviano Petrucci (nato a Fossombrone nel 1466 – morto nel 1539 a Venezia ), tipografo ed editore che riuscì ad assicurarsi un monopolio ventennale sulla musica stampata a Venezia durante il XVI secolo. Venezia era uno dei maggiori centri commerciali e musicali durante questo periodo. Il suo Harmonice Musices Odhecaton, una raccolta di chansons stampata nel 1501, è comunemente erroneamente identificato come il primo libro di spartiti stampati da tipo mobile. In realtà questa distinzione appartiene al Messale Romanum dello stampatore romano Ulrich Han del 1476., Tuttavia, il lavoro successivo di Petrucci fu straordinario per la complessità della sua notazione mensurale bianca e la piccolezza del suo carattere. Stampò il primo libro di polifonia (musica con due o più linee melodiche indipendenti) usando il tipo mobile. Ha anche pubblicato numerose opere dei più apprezzati compositori del Rinascimento, tra cui Josquin des Prez e Antoine Brumel. Fiorì concentrandosi sulle opere fiamminghe, piuttosto che italiane, poiché erano molto popolari in tutta Europa durante l’era della musica rinascimentale., La sua tipografia usava il metodo della tripla impressione, in cui un foglio di carta veniva premuto tre volte. La prima impressione erano le linee del pentagramma, la seconda le parole e la terza le note. Questo metodo ha prodotto risultati molto puliti e leggibili, anche se è stato dispendioso in termini di tempo e costoso.

Fino al XVIII secolo, i processi di composizione formale e di stampa della musica si svolgevano per la maggior parte con il sostegno del mecenatismo di aristocrazie e chiese., A metà-fine del 18 ° secolo, artisti e compositori come Wolfgang Amadeus Mozart cominciarono a cercare maggiori opportunità commerciali per commercializzare la loro musica e le loro esibizioni al grande pubblico. Dopo la morte di Mozart, sua moglie (Constanze Weber) continuò il processo di commercializzazione della sua musica attraverso una serie senza precedenti di concerti commemorativi, vendendo i suoi manoscritti e collaborando con il suo secondo marito, Georg Nissen, su una biografia di Mozart.

Nel 19 ° secolo, gli editori di spartiti dominavano l’industria musicale. Prima dell’invenzione delle tecnologie di registrazione del suono, il modo principale per gli amanti della musica di ascoltare nuove sinfonie e arie d’opera (canzoni) era quello di acquistare gli spartiti (spesso arrangiati per pianoforte o per un piccolo gruppo di musica da camera) ed eseguire la musica in un soggiorno, usando amici che erano musicisti e cantanti dilettanti. Negli Stati Uniti, l’industria musicale sorse in tandem con l’ascesa del menestrello “black face”., Blackface è una forma di trucco teatrale utilizzata prevalentemente da artisti non neri per rappresentare una persona di colore. La pratica ha guadagnato popolarità durante il 19 ° secolo e ha contribuito alla diffusione di stereotipi razziali negativi di persone afro-americane.

Alla fine del secolo il gruppo di editori musicali e cantautori che dominavano la musica popolare negli Stati Uniti divenne noto come Tin Pan Alley., Il nome originariamente si riferiva a un luogo specifico: West 28th Street tra la Fifth e la Sixth Avenue a Manhattan, e una targa (vedi sotto) sul marciapiede sulla 28th Street tra Broadway e Sixth lo commemora. L’inizio di Tin Pan Alley è di solito datato a circa 1885, quando un certo numero di editori musicali istituito negozio nello stesso quartiere di Manhattan. La fine di Tin Pan Alley è meno nitida., Qualche data per l’inizio della Grande Depressione nel 1930, quando il fonografo e radio soppiantato il foglio di musica, come la forza trainante della musica popolare Americana, mentre altri ritengono di Tin Pan Alley hanno continuato nel 1950, quando in precedenza stili della musica popolare Americana sono state superate dall’aumento del rock & rotolo.,

l’Avvento della musica e radio broadcastingEdit

All’alba dei primi anni del 20 ° secolo, lo sviluppo della registrazione del suono cominciò a funzionare come una tecnologia dirompente per gli interessi commerciali che pubblicavano spartiti., Durante l’era dello spartito, se una persona normale voleva ascoltare nuove canzoni popolari, comprava lo spartito e lo suonava a casa su un pianoforte, o imparava la canzone a casa mentre suonava la parte di accompagnamento al pianoforte o alla chitarra. Dischi fonografici commercialmente rilasciati di spettacoli musicali, che divennero disponibili a partire dalla fine degli anni 1880, e in seguito l’inizio della diffusione radiofonica diffusa, a partire dagli anni 1920, cambiò per sempre il modo in cui la musica veniva ascoltata e ascoltata., Teatri d’opera, sale da concerto e club hanno continuato a produrre musica e musicisti e cantanti hanno continuato a esibirsi dal vivo, ma il potere della radio ha permesso a band, ensemble e cantanti che in precedenza si erano esibiti solo in una regione di diventare popolari a livello nazionale e talvolta anche su scala mondiale., Inoltre, mentre la partecipazione ai migliori concerti sinfonici e lirici era precedentemente limitata alle persone ad alto reddito in un mondo pre-radiofonico, con la trasmissione radiofonica, una gamma molto più ampia di persone, comprese le persone a basso e medio reddito potevano ascoltare le migliori orchestre, big band, cantanti popolari e spettacoli d’opera.

L ‘ “industria discografica” alla fine sostituì gli editori di spartiti musicali come la più grande forza dell’industria musicale. Una moltitudine di etichette discografiche andava e veniva., Alcune etichette degne di nota dei decenni precedenti includono la Columbia Records, Crystalate, Decca Records, Edison Bell, The Gramophone Company, Invicta, Kalliope, Pathé, Victor Talking Machine Company e molte altre. Molte case discografiche si estinsero rapidamente come si erano formate, e alla fine degli anni 1980, i “Big six” — EMI, CBS, BMG, PolyGram, WEA e MCA — dominarono l’industria. Sony ha acquistato CBS Records nel 1987 e ha cambiato il suo nome in Sony Music nel 1991. A metà del 1998, PolyGram Music Group si fuse con MCA Music Entertainment creando quello che ora conosciamo come Universal Music Group., Da allora, Sony e BMG si sono fuse nel 2004 e Universal ha rilevato la maggior parte degli interessi musicali registrati da EMI nel 2012. EMI Music Publishing, anche una volta parte del conglomerato britannico ormai defunta, è ora co-proprietà di Sony come una sussidiaria di Sony / ATV Music Publishing. Come in altri settori, l’industria discografica è caratterizzata da numerose fusioni e / o acquisizioni, sia per le grandi aziende che per le medie imprese (un esempio recente è dato dal gruppo belga PIAS e dal gruppo francese Harmonia Mundi).,

Dal punto di vista del genere, gli imprenditori musicali hanno ampliato i loro modelli di settore in aree come la musica folk, in cui la composizione e le prestazioni erano continuate per secoli su una base ad hoc autosufficiente. Formare un’etichetta discografica indipendente, o etichetta” indie”, o firmare per tale etichetta continua ad essere una scelta popolare per i musicisti emergenti, specialmente in generi come l’hardcore punk e il metal estremo, nonostante il fatto che indies non possa offrire lo stesso sostegno finanziario delle grandi etichette., Alcune band preferiscono firmare con un’etichetta indie, perché queste etichette in genere danno agli artisti più libertà artistica.

Rise of digital and online distributionEdit

RIAA U. S. Recorded Music Sales Charts (Interactive); Ricavi e volumi per formato., (1973 – )

Vendite Reveneus dal Formato.

Entrate abbattere 2018

Volumi di Vendita per il Formato

Volumi di Vendita di ripartizione 2018

Nel primo decennio degli anni 2000, la musica scaricata digitalmente e in streaming è diventata più popolare rispetto all’acquisto di registrazioni fisiche (ad esempio CD, dischi e nastri)., Ciò ha dato ai consumatori un accesso quasi “senza attrito” a una più ampia varietà di musica che mai, su più dispositivi. Allo stesso tempo, i consumatori hanno speso meno soldi per la musica registrata (sia fisicamente che digitalmente distribuita) di quanto avessero negli 1990. I ricavi totali “music-business” negli Stati Uniti sono diminuiti della metà, da un massimo di billion 14.6 miliardi nel 1999 a $6.3 miliardi nel 2009, secondo Forrester Research.I ricavi mondiali per CD, vinile, cassette e download digitali sono scesi da $36,9 miliardi nel 2000 a $15,9 miliardi nel 2010 secondo IFPI., The Economist e il New York Times hanno riferito che la tendenza al ribasso dovrebbe continuare per il prossimo futuro. Questo drammatico calo delle entrate ha causato licenziamenti su larga scala all’interno dell’industria tradizionale, ha spinto alcuni rivenditori più venerabili (come la Tower Records) fuori dal mercato e costretto case discografiche, produttori discografici, studi, ingegneri di registrazione e musicisti a cercare nuovi modelli di business.

In risposta all’aumento della diffusa condivisione illegale di file di registrazioni musicali digitali, l’industria discografica ha intrapreso azioni legali aggressive., Nel 2001 è riuscito a chiudere il popolare sito di musica Napster e ha minacciato azioni legali contro migliaia di persone che hanno partecipato alla condivisione di file audio di canzoni musicali. Tuttavia, questo non è riuscito a rallentare il declino delle entrate di registrazione musicale e si è rivelato un disastro di pubbliche relazioni per l’industria musicale. Alcuni studi accademici hanno anche suggerito che i download non hanno causato il calo delle vendite di registrazioni., Il 2008 British Music Rights survey ha mostrato che l ‘ 80% delle persone in Gran Bretagna voleva un servizio di condivisione file peer-to-peer (P2P) legale, tuttavia solo la metà degli intervistati pensava che i creatori della musica dovessero essere pagati. Il sondaggio era coerente con i risultati di precedenti ricerche condotte negli Stati Uniti, su cui si basava il modello Open Music.

I download digitali legali sono diventati ampiamente disponibili con il debutto di Apple iTunes Store nel 2003. La popolarità della distribuzione musicale su Internet è aumentata, e dal 2011 le vendite di musica digitale hanno superato le vendite fisiche di musica.,Atlantic Records riporta che le vendite digitali hanno superato le vendite fisiche.Tuttavia, come riportato da The Economist, “i download digitali a pagamento sono cresciuti rapidamente, ma non hanno iniziato a compensare la perdita di entrate dai CD”.

Dopo il 2010, servizi basati su Internet come Deezer, Pandora, Spotify e iTunes Radio di Apple hanno iniziato a offrire servizi basati su abbonamento “pay to stream” su Internet. Con i servizi di streaming, l’utente paga un abbonamento a un’azienda per il diritto di ascoltare canzoni e altri media da una libreria., Mentre con i servizi legali di download digitale, l’acquirente possiede una copia digitale del brano (che può conservare sul proprio computer o su un lettore multimediale digitale), con i servizi di streaming, l’utente non scarica mai il file del brano o possiede il file del brano. L’abbonato può ascoltare la canzone solo finché continua a pagare l’abbonamento in streaming. Una volta che l’utente smette di pagare l’abbonamento, non può più ascoltare l’audio dai repository dell’azienda. I servizi di streaming hanno iniziato ad avere un serio impatto sul settore nel 2014.,

Spotify, insieme all’industria dello streaming musicale in generale, affronta alcune critiche da parte degli artisti che affermano di non essere abbastanza compensati per il loro lavoro in quanto le vendite di musica scaricata diminuiscono e gli aumenti dello streaming musicale. A differenza delle vendite fisiche o di download, che pagano un prezzo fisso per canzone o album, Spotify paga gli artisti in base alla loro” quota di mercato ” (il numero di stream per le loro canzoni in proporzione al totale delle canzoni in streaming sul servizio). Spotify distribuisce circa il 70% ai titolari dei diritti, che pagheranno gli artisti in base ai loro accordi individuali., La variabile, e (alcuni dicono) la natura inadeguata di questa compensazione, ha portato a critiche. Spotify riferisce di pagare in media US US 0.006 a US US 0.008 per flusso. In risposta alle preoccupazioni, Spotify afferma di beneficiare del business musicale migrando “lontano dalla pirateria e da piattaforme meno monetizzate e consentendo loro di generare royalties molto maggiori rispetto a prima” incoraggiando gli utenti a utilizzare il loro servizio a pagamento.

La Recording Industry Association of America (RIAA) ha rivelato nel suo rapporto sugli utili 2015 che i servizi di streaming erano responsabili del 34,3% degli Stati Uniti dell’anno., registrato-musica-entrate del settore, in crescita del 29 per cento rispetto all’anno precedente e diventando la più grande fonte di reddito, tirando in circa billion 2,4 miliardi. I ricavi dello streaming negli Stati Uniti sono cresciuti del 57% a $1,6 miliardi nella prima metà del 2016 e hanno rappresentato quasi la metà delle vendite del settore. Questo contrasta con il revenue 14.6 miliardi di fatturato che è stato ricevuto nel 1999 dall’industria musicale statunitense dalla vendita di CD.,

Le turbolenze nell’industria della musica registrata negli anni 2000 hanno alterato l’equilibrio storicamente anomalo del ventesimo secolo tra artisti, case discografiche, promotori, negozi di musica al dettaglio e consumatori. A partire dal 2010, negozi big-box come Wal-Mart e Best Buy vendono più dischi di negozi di CD solo musica, che hanno cessato di funzionare come un giocatore importante nel settore della musica. Gli artisti che eseguono musica ora si affidano alle performance dal vivo e alle vendite di merchandise (T-shirt, felpe, ecc.,) per la maggior parte del loro reddito, che a sua volta li ha resi più dipendenti – come i musicisti pre-20th-secolo – da mecenati, ora esemplificati da promotori musicali come Live Nation (che domina la promozione del tour e possiede o gestisce un gran numero di locali musicali). Per beneficiare di tutti i flussi di reddito di un artista, le case discografiche si affidano sempre più al “360 deal”, una nuova relazione commerciale aperta da Robbie Williams e EMI nel 2007.,All’altro estremo, le case discografiche possono offrire un semplice affare di produzione e distribuzione, che dà una percentuale più alta all’artista, ma non copre le spese di marketing e promozione.

Aziende come Kickstarter aiutano i musicisti indipendenti a produrre i loro album attraverso i fan che finanziano le band che vogliono ascoltare. Molti artisti più recenti non vedono più un contratto discografico come parte integrante del loro business plan., L’hardware e il software di registrazione economici consentono di registrare musica di qualità ragionevole su un laptop in una camera da letto e di distribuirla su Internet a un pubblico mondiale. Questo, a sua volta, ha causato problemi per studi di registrazione, produttori discografici e ingegneri audio: il Los Angeles Times riporta che ben la metà delle strutture di registrazione in quella città hanno fallito.I cambiamenti nel settore della musica hanno dato ai consumatori l’accesso a una più ampia varietà di musica che mai, ad un prezzo che gradualmente si avvicina a zero., Tuttavia, la spesa dei consumatori per software e hardware legati alla musica è aumentata drammaticamente nell’ultimo decennio, fornendo un nuovo prezioso flusso di reddito per aziende tecnologiche come Apple Inc. e Pandora Radio.